Die Nachricht kam am Morgen danach. Vier Worte: You were well chosen. Miguel war in den acht Wochen davor meine direkte Leitung gewesen, und er neigt nicht zu Übertreibungen. Zwei Monate Arbeit, Hunderte von Entscheidungen, über dreißig Versionen einer dreizehnminütigen Show — und die Zeile, zu der ich immer wieder zurückkehre, ist diese aus vier Worten bestehende Nachricht.
Miguel Gandelman rief mich im Dezember zurück. Er erzählte, dass er kurz davor sei, einen Vertrag zu unterschreiben, und wollte sichergehen, dass ich verfügbar sei. Natürlich war mein Interesse geweckt, und ich fragte, wer der Künstler sei. Da kam die Pointe: Bad Bunny. Super-Bowl-Auftritt. Er würde als Musical Director fungieren und wollte, dass ich die Vision im Mix zum Leben erwecke. Wir haben in der Vergangenheit viel zusammengearbeitet, aber das hier war eine ikonische Premiere. In meiner Stimme lag absolut kein Zögern. Ich sagte sofort zu. Das würde großartig werden... aber noch wichtiger: Es würde bedeutsam werden.
Wir hatten ungefähr acht Wochen, um alles zusammenzubringen.
Die Produktions-Audio-Seite der Kette war meine. Das bedeutete jedes Stück Musik, zu dem Bad Bunny performen würde: die gesamte zugrundeliegende Instrumentierung, die vorab aufgenommenen Background-Vocals, das Sound-Design, die Riser, die tiefen Impacts, das verbindende Material, das einen Moment in den nächsten überleitete. Alles unter der Lead-Vocal, das die Welt letztlich in der Übertragung hören würde. Die Lead-Vocal selbst war am Tag der Show die Aufgabe eines separaten Engineers.
Was ich gebaut habe, war das Fundament, auf dem alles andere ruhte.
Die Arbeit begann sofort und hörte nicht auf. Stems kamen rein. Arrangements änderten sich Woche für Woche. Neue Songs wurden von Grund auf gebaut. Alte Songs wurden auseinandergenommen und wieder zusammengesetzt. Sharaf Entwistle unterstützte mich beim Session-Management, was bei Sessions dieser Größe und einem ständig wachsenden Version-Count seine ganz eigene Art von Heldenarbeit ist.
13 Minuten bauen
Am Ende hatte ich über dreißig eigenständige Mixe der Show abgeliefert. Jeder einzelne war ein vollständiger Versuch eines dreizehnminütigen Statements, das im Stadion, auf einem Handy und überall dazwischen landen musste.
Das Quellmaterial stammte aus Bad Bunnys gesamtem Katalog. Stems aus seinen aktuellen Alben, aber selten so, wie sie auf Platte existieren. Sektionen geschnitten. Sektionen verlängert. Sektionen mit neuen Instrumenten und neu eingespielter Percussion umgebaut, um zum emotionalen Bogen der Show zu passen. Neue Tracks, eigens für die Halbzeitshow in Chile und Puerto Rico aufgenommen. Eine komplett neue Studio-Aufnahme für einen Song mit Lady Gaga, gemacht für diesen einen Auftritt. Und riesige Mengen brandneuen verbindenden Materials, von Grund auf gebaut: Riser, Übergänge, Pads, Percussion, Sub-Drops, Sound-Design. Der Leim, der alles wie ein einziges durchgehendes Musikstück und nicht wie ein Medley wirken ließ. Jeder Song wurde komplett von Grund auf neu gemischt, damit er in derselben klanglichen Welt wie alles drumherum existiert. Hunderte von Stems, perfekt getimt zu Lichtsignalen, Video, Pyrotechnik. Ein Song, dreizehn Sätze.
"Wir haben für diese Show über 30 Mixe gemacht. Unzählige Revisionen bei Timing, Songauswahl und Sound-Design. Dieses Arbeitsvolumen ist nötig, um etwas Ikonisches zu erschaffen."
Wenn die Show von einem Song, den das Publikum kannte, zu etwas sprang, das sie noch nie gehört hatten, musste sich dieser Sprung anfühlen wie der nächste Takt desselben Songs, nicht wie ein neuer Track. Diese Arbeit am Verbergen der Nähte ist der Teil, den niemand bemerkt, wenn er sitzt, und den alle bemerken, wenn er es nicht tut.
Bei so etwas darf man nicht vom Gas gehen. Änderungen kommen bis zum allerletzten Moment, und die Bereitschaft, einen Mix wegzuwerfen, auf den man gestern noch stolz war, weil die heutige Version der Show etwas anderes braucht — das unterscheidet eine Show, an die sich Leute erinnern, von einer, an die sie sich nicht erinnern. Ikonisch ist nicht einfach ein Vibe. Es ist das Ergebnis davon, an etwas zu schuften, bis es richtig ist.
Die Gaga-Salsa
"Die With a Smile" war ursprünglich eine Power-Ballade von Bruno Mars und Lady Gaga. Stimmen und Klavier. Langsam und intim. Miguel hat es in Salsa verwandelt. Echte Clave. Echte Bläser. Ein voller karibischer Rhythmus-Teppich unter einem Song, der als Duett am Klavier begann.
Es musste geheim bleiben. Wochenlang wurde am Arrangement gearbeitet, ohne dass irgendjemand außerhalb des Teams wusste, was kommen würde. Diese Art von Geheimhaltung ist ihre eigene Form von Druck in einer Session. Jedes Backup, jeder geteilte Link, jedes Gespräch muss wasserdicht sein.
Ich habe meine Studienjahre am CCNY umgeben von Salsa verbracht — in der U-Bahn Richtung Uptown, in den Wohnungen von Freunden, in der Bodega an der Ecke, im Radio im Taxi. Es war damals der Soundtrack meiner Jahre. Zwanzig-und-ein-paar Jahre später feuerten diese alten Synapsen wieder, aus dem Speicher geholt, um Lady Gagas Auftritt in die Welt der lateinamerikanischen Musik zu bringen.
Show-Tag
Die Show wurde am 8. Februar ausgestrahlt. Ich wartete ängstlich darauf, sie zu Hause mit meiner Familie im TV zu sehen.
Wir waren alle umgehauen. Die Show, die Kunstfertigkeit, die Visuals... alles neu für mich. Der Sound war das, was ich kannte, und das auf dieser Weltbühne zusammenkommen zu sehen, war monumental. Es war inspirierend. Ich war auch erleichtert und hörte hin, was die Broadcast-Kette überlebt hatte und was zwischen meinem Raum und ihrem verloren gegangen war. Zu meiner Erleichterung war die Integrität dessen, was ich mit erschaffen hatte, noch da.
Und dann, am nächsten Morgen, die vier Worte.
128 Millionen Menschen
Es ist schwer zu fassen, wenn die Musik, an der man monatelang beteiligt war, so viele Menschen berührt. Die Reaktionen, die ich in ganz Amerika beobachtete, waren inspirierend. Die schiere Zahl der Zuschauer und der Menschen, die das Ganze in den sozialen Medien aufsogen, war atemberaubend. Das hier war nicht nur bedeutsam, das war historisch... und die Menschen erkannten es.
128 Millionen Menschen in den Vereinigten Staaten schauten live zu. 4,8 Millionen davon auf Telemundo — die meistgesehene spanischsprachige Super-Bowl-Halftime-Übertragung der Geschichte und die größte NFL-Zuschauerschaft, die Telemundo je hatte. Soziale Plattformen verzeichneten in den ersten 24 Stunden vier Milliarden Views, ein NFL-Rekord und ein Plus von 137 Prozent gegenüber dem Vorjahr. Bis Montagmorgen waren die Spotify-Streams aus Bad Bunnys Katalog in den Vereinigten Staaten um 470 Prozent gestiegen, und er belegte die ersten sechs Plätze in den US Daily Top Songs. DtMF, der Closer, kletterte erneut auf Platz zehn der Billboard Hot 100. Er wurde der erste Latin-Künstler überhaupt, der die Marke von 100 Millionen monatlichen Spotify-Hörern überschritt.
"Die eindrucksvollst konzipierte und umgesetzte Super-Bowl-Halftime-Produktion, die ich je gesehen habe." — The Hollywood Reporter
"Ein überschwänglicher Akt des Widerstands." — TIME
Die Geschichtsbücher werden festhalten: Erster lateinamerikanischer Solo-Headliner einer Super Bowl Halftime Show. Erste Halftime-Show, die fast vollständig auf Spanisch aufgeführt wurde. Ricky Martin, der bei "Lo Que Le Pasó a Hawaii" zu Bad Bunny auf die Bühne kam, wurde der erste offen schwule männliche Halftime-Performer. Und das Ganze landete eine Woche, nachdem Bad Bunny mit DeBÍ TiRAR MáS FOToS den Grammy als Album of the Year geholt hatte — dem ersten komplett spanischsprachigen Album, das diese Kategorie je gewonnen hat.
Grammy-Bühne am einen Sonntag, Super-Bowl-Bühne am nächsten. Es gibt Abende, die durch das Fernsehen wandern. Dieser hier bewegte sich durch die Kultur.
Was es bedeutete
Die Show bedeutete etwas. Sie hatte Gewicht für die Menschen Puerto Ricos, deren Insel, Kultur und Geschichte durch den gesamten Auftritt gewoben waren — von der Casita auf dem Feld bis zu den Plena-Bläsern bei "Café con Ron". Sie hatte Gewicht für die Millionen Latinos in diesem Land, die sich beim größten kulturellen Ereignis des amerikanischen Kalenders in ihrer eigenen Sprache repräsentiert sehen durften. Und sie hatte Gewicht in einem Moment, in dem so viele von uns in diesem Land voneinander auseinandergezogen werden, in dem die Einheit selbst das ist, was wir verteidigen sollen.
Bad Bunny schloss die Show mit einer Botschaft auf dem Bildschirm: Das Einzige, was mächtiger ist als Hass, ist Liebe. Daran glaube ich.
"Ich möchte, dass die Menschen sich daran als an einen Moment erinnern, in dem die Liebe über den Hass triumphiert."
Es war mir eine Ehre, eine kleine Rolle bei der Gestaltung des Klangs dieser Nacht zu spielen. Musik hat die einzigartige Fähigkeit, Menschen zusammenzubringen, und das spüre ich bei jedem Projekt. Bei diesem hier rückte das nur in den Vordergrund. Was diese Art von Arbeit für mich bestätigt, ist, dass meine Arbeit sowohl Unterhaltung als auch ein bedeutsames gesellschaftliches Statement sein kann. Meine Arbeit ist mehr als Klang… und das liebe ich.
Wir alle haben einen Anteil daran, die Welt zu bauen, die wir sehen wollen. Meiner besteht zufällig aus Klang.
Credits
- Künstler: Bad Bunny
- Music Director: Miguel Gandelman
- Produktions-Audio-Mix (Band, Synths, vorab aufgenommene Background-Vocals, Sound-Design): Jon Rezin — vor Showtime fertiggestellt
- Assistant Engineer: Sharaf Entwistle
- Studio-Monitoring: ATC SCM45a mains + SVS SB-5000 R|Evolution subs
- Sender: CBS / Paramount+
- Event: Super Bowl LX Halftime Show, 8. Februar 2026
Ein längeres Interview mit mehr Details zu Monitoring-Entscheidungen, Low-End-Philosophie und der Show selbst ist im Artist-Spotlight-Feature von SVS verfügbar.