El mensaje llegó a la mañana siguiente. Cuatro palabras: Fuiste bien elegido. Miguel había sido mi línea directa durante las ocho semanas anteriores, y no es alguien dado a la exageración. Dos meses de trabajo, cientos de decisiones, más de treinta versiones de un show de trece minutos, y la frase a la que sigo volviendo es ese mensaje de cuatro palabras.
Miguel Gandelman me llamó en diciembre. Me contó que estaba a punto de firmar un contrato y quería asegurarse de que yo estuviera disponible. Por supuesto se me despertó el interés, y le pregunté quién era el artista. Ahí fue cuando soltó la bomba. Bad Bunny. Actuación en el Super Bowl. Él iba a ser el director musical y quería que yo diera vida a la visión en la mezcla. Hemos trabajado juntos muchísimas veces antes, pero esta era una primera vez icónica. No hubo absolutamente ninguna duda en mi voz. Acepté de inmediato. Esto iba a ser increíble… pero más importante aún, iba a ser significativo.
Teníamos aproximadamente ocho semanas para que todo encajara.
El lado del audio de producción de la cadena era mío. Eso significaba cada parte de la música sobre la que Bad Bunny iba a actuar: toda la instrumentación de base, los coros pregrabados, el diseño de sonido, los risers, los impactos profundos, el material conector que enlazaba un momento con el siguiente. Todo lo que iba debajo de la voz principal que el mundo terminaría escuchando en la transmisión. La voz principal en sí, el día del show, era trabajo de otro ingeniero.
Lo que yo construí fue la base sobre la que se apoyaba todo lo demás.
El trabajo comenzó de inmediato y no se detuvo. Llegaban stems. Los arreglos cambiaban semana tras semana. Se construían canciones nuevas desde cero. Canciones viejas se desarmaban y se reensamblaban. Tuve a Sharaf Entwistle asistiéndome en la gestión de sesiones, que es un tipo de trabajo heroico por sí solo cuando las sesiones son tan grandes y la cantidad de versiones sigue subiendo.
Construyendo 13 minutos
Para el final había entregado más de treinta mezclas distintas del show. Cada una era un intento completo de una declaración de trece minutos que tenía que funcionar en el estadio, en un teléfono y en todo lo que hubiera en medio.
El material original venía de todo el catálogo de Bad Bunny. Stems de sus álbumes recientes, pero rara vez tal como existen en disco. Secciones recortadas. Secciones extendidas. Secciones reconstruidas con nuevos instrumentos y percusión superpuesta para encajar con el arco emocional del show. Nuevos temas grabados específicamente para el halftime en Chile y Puerto Rico. Una grabación de estudio completamente nueva para una canción con Lady Gaga, hecha exclusivamente para esta única actuación. Y enormes cantidades de material conector flamante construido desde cero: risers, transiciones, pads, percusión, sub drops, diseño de sonido. El pegamento que hacía que se sintiera como una única pieza musical continua en lugar de un popurrí. Cada canción fue remezclada por completo desde cero para vivir en el mismo mundo sonoro que todo lo que la rodeaba. Cientos de stems, sincronizados con precisión a las cues de iluminación, video y pirotecnia. Una sola canción, trece movimientos.
"Hicimos más de 30 mezclas para este show. Incontables revisiones de timing, selección de canciones y diseño de sonido. Ese volumen de trabajo es lo que hace falta para crear algo icónico."
Cuando el show saltaba de una canción que el público conocía a algo que nunca había escuchado, el salto tenía que sentirse como el siguiente compás de la misma canción, no como un tema nuevo. Ese trabajo de ocultar las costuras es la parte que nadie nota cuando sale bien y todos notan cuando no.
No puedes soltar el acelerador en algo así. Los cambios llegan hasta el último momento, y la disposición de tirar a la basura una mezcla de la que ayer estabas orgulloso porque la versión de hoy del show necesita algo distinto es lo que separa un show que la gente recuerda de uno que no. Lo icónico no es solo una vibra. Es el resultado de bregar con algo hasta que quede bien.
La salsa de Gaga
"Die With a Smile" era originalmente una power ballad de Bruno Mars y Lady Gaga. Voces y piano. Lento e íntimo. Miguel la convirtió en salsa. Clave de verdad. Metales de verdad. Una base rítmica caribeña completa debajo de una canción que comenzó como un dueto al piano.
Tenía que mantenerse en secreto. Se trabajó el arreglo durante semanas sin que nadie fuera del equipo supiera lo que se venía. Ese tipo de secretismo es su propia forma de presión sobre una sesión. Cada respaldo, cada enlace compartido, cada conversación tiene que estar blindada.
Pasé mis años universitarios en CCNY rodeado de salsa — en el tren rumbo al uptown, en los apartamentos de mis amigos, en la bodega de la esquina, en la radio de los taxis. Fue la banda sonora de esos años para mí. Veintipico de años después, esas viejas sinapsis se volvían a activar, sacadas del archivo para ayudar a llevar la actuación de Lady Gaga al mundo de la música latina.
El día del show
El show salió al aire el 8 de febrero. Esperé con ansias verlo transmitido en casa con mi familia.
Todos quedamos atónitos. El espectáculo, el arte, la parte visual… todo nuevo para mí. El sonido era lo que yo conocía, y verlo materializarse en este escenario mundial fue monumental. Fue inspirador. También sentí alivio, escuchando qué había sobrevivido la cadena de transmisión y qué se había perdido entre mi sala y la suya. Para mi alivio, la integridad de lo que ayudé a crear seguía ahí.
Y luego, a la mañana siguiente, las cuatro palabras.
128 millones de personas
Es difícil de asimilar cuando la música de la que has sido parte durante meses llega a tantísima gente. El tipo de reacciones que estaba presenciando por toda América era inspirador. La cantidad absoluta de televidentes y de personas absorbiéndolo en redes sociales era apabullante. Esto no solo era significativo, era histórico… y la gente lo reconoció.
128 millones de personas en Estados Unidos lo vieron en vivo. 4,8 millones de esos lo vieron por Telemundo, la transmisión en español más vista de un Super Bowl Halftime en la historia, y la mayor audiencia de la NFL que Telemundo haya tenido jamás. Las plataformas sociales registraron cuatro mil millones de vistas en las primeras 24 horas, un récord de la NFL y un salto del 137 por ciento respecto al año anterior. Para el lunes por la mañana, los streams en Spotify del catálogo de Bad Bunny habían subido un 470 por ciento en Estados Unidos, y él ocupaba los seis primeros puestos del Daily Top Songs de EE. UU. DtMF, el cierre, reentró al Billboard Hot 100 en el número diez. Se convirtió en el primer artista latino en superar los 100 millones de oyentes mensuales en Spotify.
"La producción de Halftime del Super Bowl más impresionantemente concebida y ejecutada que jamás haya visto." — The Hollywood Reporter
"Un exuberante acto de resistencia." — TIME
Los libros de historia registrarán: Primer headliner latino en solitario de un Super Bowl Halftime Show. Primer show de medio tiempo interpretado casi en su totalidad en español. Ricky Martin, que acompañó a Bad Bunny en el escenario en "Lo Que Le Pasó a Hawaii", se convirtió en el primer artista masculino abiertamente gay en actuar en un halftime. Y todo esto aterrizó una semana después de que Bad Bunny se llevara el Álbum del Año en los Grammys por DeBÍ TiRAR MáS FOToS, el primer álbum enteramente en español en ganar esa categoría.
Escenario de los Grammys un domingo, escenario del Super Bowl al siguiente. Hay noches que pasan por la televisión. Esta atravesó la cultura.
Lo que significó
El show significó algo. Tuvo peso para la gente de Puerto Rico, cuya isla, cultura e historia estuvieron entretejidas en toda la actuación, desde la casita en la cancha hasta los metales de plena en "Café con Ron". Tuvo peso para los millones de latinos en este país que pudieron verse representados en su propio idioma en el centro del evento cultural más grande del calendario estadounidense. Y tuvo peso en un momento en que tantos de nosotros en este país estamos divididos los unos de los otros, cuando la unidad misma es lo que se nos pide defender.
Bad Bunny cerró el show con un mensaje en pantalla: lo único más poderoso que el odio es el amor. Yo creo en eso.
"Quiero que la gente recuerde esto como un momento en el que el amor triunfa sobre el odio."
Fue un honor desempeñar un pequeño papel en darle forma al sonido de esa noche. La música tiene una capacidad única para unir a la gente, y la siento en cada proyecto. Este solo la puso al frente y al centro. Lo que este tipo de trabajo me confirma es que lo que hago puede ser entretenimiento y una declaración social significativa al mismo tiempo. Mi trabajo es más que sonido… y me encanta.
Todos tenemos un papel que jugar en construir el mundo que queremos ver. El mío resulta ser el sonido.
Lee el caso de estudio completo con créditos y notas de equipo: Mezclando la música para el Halftime Show del Super Bowl 2026 de Bad Bunny.